Rossini rejected the notion that music should directly imitate or represent external phenomena. He believed that "Music has neither the intention nor the capacity to convey to the ear an impression of everything mankind hears"1. This perspective aligns with the idea that music's purpose is not to replicate reality but to express something more abstract or internal.
로시니는 음악이 외부 현상을 직접 모방하거나 표현해야 한다는 개념을 거부했다. 그는 "음악은 인류가 듣는 모든 것의 인상을 귀에 전달할 의도도 능력도 없다"고 믿었습니다.1 이러한 관점은 음악의 목적이 현실을 복제하는 것이 아니라 보다 추상적이거나 내면적인 것을 표현하는 것이라는 생각과 일치합니다.

Rossini's work in Paris was characterized by his ability to adapt his style to meet the preferences of French audiences while maintaining his unique musical voice. His operas from this period are notable for their innovative use of melody, harmony, and orchestration, which have left a lasting impact on the operatic repertoire.
로시니가 파리에서 한 작품은 그의 독특한 음악적 목소리를 유지하면서 프랑스 관객의 취향에 맞게 자신의 스타일을 조정하는 능력으로 특징 지어졌습니다. 이 시기의 그의 오페라는 멜로디, 하모니, 오케스트레이션의 혁신적인 사용으로 유명하며, 이는 오페라 레퍼토리에 지속적인 영향을 미쳤습니다.

1. Early years.
1. 어린 시절.

As early as 1804 Gioachino had begun to appear professionally as a singer
일찍이 1804년에 조아키노는 가수로서 전문적으로 두각을 나타내기 시작했다

His performance as the boy, Adolfo, in Paer's Camilla at the Teatro del Corso in Bologna during the autumn season of 1805 is attested by a libretto printed for the occasion.Other documents show him singing in private concerts. 
1805년 가을 시즌에 볼로냐의 테아트로 델 코르소(Teatro del Corso)에서 파에르의 카밀라(Paer's Camilla)에서 소년 아돌포(Adolfo)로 연기한 그의 연기는 이 행사를 위해 인쇄된 대본에 의해 증명됩니다. 다른 문서에는 그가 개인 콘서트에서 노래하는 모습이 담겨 있다.

2. First period, 1810–13.
2. 제1기, 1810-13.

to music in which typical 18th-century devices were precariously balanced
전형적인 18세기 장치들이 위태롭게 균형을 이루고 있는 음악에

with more progressive features. The simple tonal procedures of older opera seria were inadequate for longer ensembles and elaborate scenas, yet no Italian composer could or would adopt the more sophisticated tonal schemes of Mozart. As librettos turned from classical history to semi-serious subjects,medieval epic, and ultimately Romantic drama, the orchestral forces of the 18th century proved increasingly inadequate. 
더 진보적인 기능으로. 오래된 오페라 세리아의 단순한 음색 절차는 긴 앙상블과 정교한 무대 연출에 적합하지 않았지만 이탈리아 작곡가는 모차르트의 더 정교한 음색 체계를 채택 할 수 없었거나 채택하지 않았습니다. 대본이 고전 역사에서 반 진지한 주제, 중세 서사시, 그리고 궁극적으로 낭만주의 드라마로 바뀌면서 18 세기의 오케스트라 힘은 점점 더 부적절하다는 것이 입증되었습니다.

L'inganno felice, which had itsVenetian première in January 1812, was Rossini's first truly successful workmany elements emerge thatremain throughout his career.
1812 년 1 월 베네치아 초연을 가진 L' inganno felice는 Rossini의 첫 번째 진정으로 성공적인 작품이었습니다.

3. From ‘Tancredi’ to ‘La gazza ladra’.
3. '탄크레디(Tancredi)'에서 '라 가자 라드라(La gazza ladra)'까지.

During this period he produced his great comic operas, works ranging from pure buffo to sentimentalcomedy, his more ‘classical’ serious operas, and his finest opera in the semiseria genre.
이 기간 동안 그는 그의 위대한 희극 오페라, 순수한 부포에서 감상 코미디에 이르기까지 다양한 작품, 더 '고전적인'진지한 오페라, 세미 세리아 장르에서 가장 훌륭한 오페라를 제작했습니다.

Rossini's multi-sectional aria with cabaletta may not be the ideal solution to the problem of the aria, but it permits lyrical sections to co-
로시니와 카발레타로 구성된 여러 섹션의 아리아는 아리아의 문제에 대한 이상적인 해결책은 아닐지 모르지만, 서정적인 섹션이 함께 할 수 있게 해준다.

exist with dramatic action and gives the singer, during the repetition of the cabaletta theme, the flattering option of ornamenting the melody. 
극적인 행동으로 존재하며 카발레타 주제가 반복되는 동안 가수에게 멜로디를 장식하는 아첨하는 옵션을 제공합니다.

the act ‘Il contratto nuziale’ from Donizetti's Lucia di Lammermoor concludes with a textbook example of the Rossini finale
도니제티의 '람메르무어의 루치아'에 나오는 'Il contratto nuziale'은 로시니 피날레의 교과서적인 예시로 마무리된다

critics stress the extent to which Rossini's opera seria is enriched through elements of the opera buffa without looking at the reverse: how opera buffa adopted elements from the seria
비평가들은 로시니의 오페라 세리아가 오페라 부파의 요소를 통해 얼마나 풍부해졌는지를 강조하면서도 그 반대의 경우, 즉 오페라 부파가 세리아의 요소를 어떻게 채택했는지는 살펴보지 않는다

particularly the rhythmic vitality injected from the opera buffa into the seria and the introduction of more noble sentiments into stock buffo figures, is central to an understanding of Rossini's music and its effect on his contemporaries.
특히 오페라 '부파'에서 세리아에 불어넣어진 리드미컬한 생명력과 스톡 부포 피규어에 고상한 정서를 더한 것은 로시니의 음악과 그것이 동시대 사람들에게 미친 영향을 이해하는 데 핵심적이다.

4. Naples and the ‘opera seria’, 1815–23.
4. 나폴리와 '오페라 세리아', 1815-23.

To bring such a range of subjects on to the operatic stage, Rossini's Neapolitan operas show an enormous expansion in musical means, particularly an increase in the number and length of ensembles. There is a
이처럼 다양한 주제를 오페라 무대로 끌어올리기 위해 로시니의 나폴리 오페라는 음악적 수단의 엄청난 확장, 특히 앙상블의 수와 길이의 증가를 보여준다. 가 있습니다

corresponding decrease in the prominence of solo arias and a profound shift in the role of the chorus,which now acts not as passive observer but as active participant. For the musical and dramatic requirements these changes imply, Rossini created a more dramatic accompanied recitative and generally made his orchestra more prominen
이에 따라 솔로 아리아의 중요성이 감소하고 합창단의 역할이 크게 변화하여 이제 수동적 관찰자가 아닌 적극적인 참여자로 행동합니다. 이러한 변화가 함축하는 음악적, 극적 요구 사항을 위해 로시니는 더 극적인 반주 낭송곡을 만들었고 일반적으로 그의 오케스트라를 더 두드러지게 만들었습니다

Central to Rossini's reform, though, is the internal expansion of the musical unit.
그러나 로시니의 개혁의 핵심은 음악 단위의 내부 확장이다.

The music is largely continuous, themes recur from one section to another, and the entire composition forms a dramatic, musical and tonal entity
음악은 대체로 연속적이고, 주제는 한 섹션에서 다른 섹션으로 반복되며, 전체 구성은 극적, 음악적, 음색적 실체를 형성합니다

Equally important is the new emphasis Rossini placed on the chorus.
마찬가지로 중요한 것은 로시니가 합창에 새롭게 강조한 것이다.

From an inert mass in Tancredi, the chorus becomes in Mosè in Egitto or La donna del lago a central character in the drama, a role further developed in Rossini's French operas.
Tancredi의 불활성 질량에서 코러스는 Egitto의 Mosè 또는 La donna del lago에서 드라마의 중심 인물이되며, 이는 Rossini의 프랑스 오페라에서 더욱 발전 된 역할입니다.

5. Europe and Paris, 1822–9.
5. 유럽과 파리, 1822–9.

By 1 August 1824 Rossini was in Paris
1824년 8월 1일, 로시니는 파리에 있었다

The first work to be produced under his direction in Paris was <La donna del lago> at the Théâtre Italien on 7 September 1824
파리에서 그의 지시에 따라 제작 된 첫 번째 작품은 1824 년 9 월 7 일 이탈리아 극장 (Théâtre Italien)에서 열린 % 3CLa donna del lago% 3E였습니다

Rossini's musical score is both serious and ironic at once, serious in the elaboration and complexity of the music, ironic in applying such extraordinary music to a series of operatic tableaux that gently mock the dramaturgical conventions of the genre
로시니의 음악은 진지하면서도 아이러니하며, 음악의 정교함과 복잡성에 진지하며, 장르의 극적 관습을 부드럽게 조롱하는 일련의 오페라 테이블에 그러한 특별한 음악을 적용하는 데 있어 아이러니하다

Only a few performances of Il viaggio a Reims were given before Rossini withdrew the score. In the words of Marco Bordogni, the original Russian Count Libenskof, ‘the opera given on the occasion of the coronation,
Il viaggio a Reims의 공연은 Rossini가 점수를 철회하기 전에 몇 번만 연주되었습니다. 러시아의 원래 백작 리벤스코프인 마르코 보르도니(Marco Bordogni)의 말에 따르면, '대관식에 즈음하여 주어진 오페라,

while it pleased enormously, is not an opera that can be given very often, considering its subject’. Ultimately Rossini re-used some of its music in a later work for the Opéra, Le comte Ory, 
대단히 기뻤지만, 주제를 고려할 때 자주 공연할 수 있는 오페라는 아니다. 궁극적으로 로시니는 나중에 오페라를 위한 작품인 Le comte Ory에서 이 음악의 일부를 재사용했습니다.

Thus Maometto II became Le siège de Corinthe on 9 October 1826 and
그리하여 마오메토 2세는 1826년 10월 9일 코린테(Le siège de Corinthe)가 되었고,

Mosè in Egitto, on 26 March 1827, became Moïse.
1827 년 3 월 26 일 Egitto의 Mosè는 Moïse가되었습니다.

The differences between the two Neapolitan originals and their Parisian revisions is revealing. In the Neapolitan works extremely florid solo vocal lines, emphasizing the virtuoso and generic, co-exist with far-reaching structural experiments which seek to give musical expression to particular dramatic situations. In the Paris revisions both extremes are planed down, resulting in a more consistent, if less audacious, dramatic continuum, and a reduced gulf between declamatory lines and florid passages.
두 개의 나폴리 원본과 파리 개정판 사이의 차이점이 드러납니다. 나폴리 작품에서는 기교와 일반성을 강조하는 극도로 화려한 솔로 보컬 라인이 특정 극적인 상황에 음악적 표현을 부여하려는 광범위한 구조적 실험과 공존합니다. 파리 개정판에서는 두 극단이 모두 계획되어 있으며, 그 결과 덜 대담하더라도 더 일관되고 극적인 연속체가 생성되며 선언적 인 선과 화려한 구절 사이의 간격이 줄어 듭니다.

 Arias further decline in importance. Instead Rossini tended to compose larger units in which solo voices and chorus combine more dramatically.
아리아는 더욱 중요성이 떨어집니다. 대신 로시니는 솔로 음색과 합창이 더 극적으로 결합되는 더 큰 단위를 작곡하는 경향이 있었다.

Le comte Ory is a problematical work, episodic in structure, but given its sources, it is surprising the opera hangs together at all. The librettists, Eugène Scribe and Charles Gaspard Delestre-Poirson, derived the second act from their own earlier vaudeville, adding to it a first act incorporating music from Rossini's Il viaggio a Reims.
〈Le comte Ory〉는 에피소드 구조로 되어 있는 문제적 작품이지만, 그 소재를 감안할 때 이 오페라가 서로 연결되어 있다는 것은 놀라운 일이다. 대본 작가 인 Eugène Scribe와 Charles Gaspard Delestre-Poirson은 자신의 초기 보드빌에서 2 막을 파생 시켰으며, Rossini의 Il viaggio a Reims의 음악을 통합 한 1 막을 추가했습니다.

Il viaggio a Reims (1825)
랭스 (1825)

This opera was written to celebrate the coronation of Charles X. It was Rossini's last opera with an Italian libretto and was performed only four times as Rossini intended to reuse the music for future works
이 오페라는 찰스 10세의 대관식을 축하하기 위해 작곡되었습니다. 이 작품은 이탈리아 대본을 쓴 로시니의 마지막 오페라였으며, 로시니가 이 음악을 미래의 작품에 재사용하려고 했기 때문에 단 네 번만 공연되었다

Le siège de Corinthe (1826)
Le siège de Corinthe (1826년)

A revision of his earlier opera Maometto II, this work marked Rossini's first opera with a French libretto. It reflected his adaptation to French tastes by incorporating more choruses and dance numbers
그의 초기 오페라 Maometto II의 개정판인 이 작품은 Rossini가 프랑스어 대본을 사용한 첫 번째 오페라였습니다. 그것은 더 많은 코러스와 댄스 넘버를 통합함으로써 프랑스의 취향에 대한 그의 적응을 반영했습니다

Moïse et Pharaon (1827)
Moïse et Pharaon (1827년)

Another revision, this time of Mosè in Egitto, which also adapted to the French operatic style
또 다른 개정판, 이번에는 Egitto의 Mosè, 프랑스 오페라 스타일에 적응했습니다

Le comte Ory (1828)
Le comte Ory (1828년)

This opera bouffe utilized music from Il viaggio a Reims and was well-received in Paris
이 오페라 부페 는 Il viaggio a Reims의 음악을 사용 했으며 파리에서 호평을 받았습니다

Guillaume Tell (1829)
기욤 텔 (1829)

This was Rossini's final opera and is considered one of his masterpieces. It was composed entirely in French and showcased his ability to blend Italian melodic style with French grand opera traditions
이 작품은 로시니의 마지막 오페라였으며 그의 걸작 중 하나로 꼽힌다. 이 곡은 전적으로 프랑스어로 작곡되었으며, 이탈리아의 멜로디 스타일과 프랑스의 그랜드 오페라 전통을 혼합하는 그의 능력을 보여주었습니다

le comte ory
르 콩트 오리

"Le Comte Ory" is a comic opera composed by Gioachino Rossini in 1828, marking his final operatic comedy and penultimate work. This French opera premiered at the Paris Opera on August 20, 1828
"Le Comte Ory"는 1828 년 Gioachino Rossini가 작곡 한 코믹 오페라로 그의 마지막 오페라 코미디이자 끝에서 두 번째 작품입니다. 이 프랑스 오페라는 1828년 8월 20일 파리 오페라에서 초연되었습니다

Le comte Ory, one of Rossini’s late operas written for Paris, is a comic masterpiece – a mixture of risky situation and indelicate suggestion, mediaeval chivalry and musical elegance.
로시니가 파리를 위해 작곡한 후기 오페라 중 하나인 '오리 콩트(Le comte Ory)'는 위험한 상황과 섬세한 암시, 중세의 기사도 정신과 음악적 우아함이 뒤섞인 코믹 걸작이다.

The final trio is considered the opera's crowning achievement, featuring the three main characters taking turns with virtuosic melodies
마지막 트리오는 이 오페라의 가장 큰 걸작으로 꼽히며, 세 명의 주인공이 번갈아 가며 기교적인 멜로디를 연주하는 것이 특징입니다

The opera's popularity has seen a resurgence in recent years, thanks to the emergence of skilled Rossini tenors capable of handling the demanding lead role
이 오페라의 인기는 최근 몇 년 동안 까다로운 주연을 처리할 수 있는 숙련된 로시니 테너의 등장 덕분에 부활했습니다